Höj den konstnärliga kvalitén med rätt arbetsmetoder
Det finns några specifika saker man bör tänka lite extra på om man vill utveckla den konstnärliga kvalitén på sitt akvarellmåleri. Här kommer jag ta upp några av dem som jag tycker är allra viktigast.
Fastna inte i tekniken
Eftersom akvarelltekniken kräver en hel del övning på just tekniken, så är det vanligt att man sedan fastnar i att främst fokusera på tekniken, och glömmer bort att jobba konstnärligt även med sina motiv. Ofta väljer man sina motiv av gammal vana, och motiv som har spännande effekter och olika tekniska utmaningar. Det är ju förstås så man gör när man lär sig måla akvarell, och fina effekter tillför ju också kvalitéer till målningen. Men kvalitéerna kan inte bara ligga i tekniken.
För att du ska kunna utveckla den konstnärliga kvalitén i dina motiv, behöver du bli mer medveten om vilken typ av motiv du väljer att jobba med, och hur du sen väljer att jobba med motiven och lite grann också varför. För att du ska kunna utveckla den konstnärliga kvalitén på ditt akvarellmåleri så räcker det alltså inte med att bara välja ett motiv som har en viss teknisk effekt som du gillar.
Jag tror att det är många som tänker att det här med att också jobba med att utveckla den konstnärliga kvalitén på sitt tema och motiven man jobbar med, är något som man gör när man har kommit mycket längre i sin utveckling och är mer professionell, och att man själv fortfarande bara håller på att lära sig.
Men så är det faktiskt inte! Var man än befinner sig i sin utveckling, oavsett om man är nybörjare eller professionell, så är det viktigt att man alltid matchar sina tekniska kunskaper, med den konstnärliga kvalitén på sina motiv. Och det är absolut inget man behöver vänta med. Tvärtom är det faktiskt ganska vanligt att konstnärer väntar för länge med det här, och istället fokuserar för mycket på tekniken. Men det brukar väldigt ofta vara orsaken till att man efter en tid, förlorar motivationen och inspirationen i sitt arbete. Där man gillar tanken på att måla, men när man väl gör det, så kan det låsa sig, och att ens måleri handlar för mycket om att man inte ska misslyckas tekniskt.
Så att jobba med den konstnärliga kvalitén på sitt tema och sina motiv, handlar faktiskt om att utveckla sin egen relation och sin medvetenhet till sin konst, vilket också påverkar om man trivs och känner sig inspirerad i sitt arbete. Och som sagt, det är också det här arbetet som genererar konstnärliga kvalitéer och ens förutsättningar att kunna utveckla en ”egen stil”. Så varför ska man vänta med det?
Ha inte för bråttom när du väljer motiv
Tänk på att inte ha för bråttom när du väljer dina motiv, och att inte genast börja måla. Det är vanligt att man gör det eftersom man tänker att den konstnärliga kvalitén bara uppstår i tekniken när du målar. Men ett ganska tråkigt motiv brukar nästan alltid också bli en ganska tråkig målning! Det är väldigt sällan som det plötsligt uppstår massor av intressanta kvalitéer i ett motiv, bara för att man målar det.
Du behöver istället uppehålla dig lite längre i fasen när du väljer motiv och sättet du arbetar med motiven på. Där du reflekterar över hur dina ”tänkbara alternativ” ser ut, och att du lägger ner mer tid på att arbeta fram dina förlagor och skisser, exempelvis om man använder sig av fotografier.
Allt det här arbetet är ju faktiskt en lika kreativ och viktig del i det konstnärliga arbetet som själva måleriet.
Det här gör inte bara att den konstnärliga kvalitén blir högre på dina målningar, det är också i det här arbetet som du som konstnär får en mer komplex och djupare relation till din konst. Du blir mer medveten om varför du väljer att jobba som du gör, och du blir mer exakt med hur just du väljer att jobba med dina motiv.
För alla motiv finns ju redan, och vi konstnärer utgår ju mer eller mindre alltid från samma typ av motiv. Så för att kunna utveckla en egen konstnärlig stil, behöver du utveckla ett mer ”specifikt” sätt för hur just du jobbar med dina motiv. Gör man inte det, och har för bråttom i den här fasen och genast börjar måla, så brukar konsekvensen bli att kvalitén på tekniken i själva måleriet, blir ganska hög, men sättet man jobbar med sina motiv på, blir alltför för generell och lite anonym.
Det är därför ganska vanligt att man själv som konstnär börjar tycka att ens målningar känns lite tråkiga, och man brukar känna att det är något som ”fattas i sin konst”. Och då hjälper det inte ens om tekniken är väldigt bra.
När jag handleder konstnärer är det många som beskriver den här bristen i sin konst, och där man också börjar känna att något saknas, även i mötet med publiken. Där folk ofta bara blir imponerade över tekniken, men inte själva konstverket. I början av sitt konstnärskap så brukar det räcka med att man får bekräftelse på att ens målningar är tekniskt bra, men lite längre fram börjar det kännas lite otillfredsställande, att bara få frågor om hur man målat en viss effekt.
Det jag försöker beskriva här, är att det ofta uppstår ett glapp mellan tekniken och den konstnärliga kvalitén, och att det inte är bara tekniken som skapar dem här kvalitéerna.
När jag handleder konstnärer, så ser jag allt det här som ett helt naturligt utvecklingssteg: att man efter en fas då man lärt sig tekniken, så börjar det växa fram en känsla av att man vill få en ”djupare” och mera ”medveten” relation till sin konst, och där konstverken inte bara är tekniskt bra, utan att dem även har kvalitéer som gör att de blir till bra konstverk.
Och det är ju precis det som de allra flesta konstnärer ser som målet med sin konst. Att ens målningar inte ska stanna vid att bara vara en teknik som avbildar olika motiv, och därför kan börja kännas lite anonyma och tomma. Man vill ju att ens målningar ska lyfta och få kvalitéer som gör att dem istället blir till konstverk och där man också har en egen stil. Och man vill förstås känna att man trivs och känner sig motiverad i sitt arbete, och där man känner att man kan identifiera sig med sin konst.
Efter att ha handlett väldigt många konstnärer och då i synnerhet akvarellmålare, så kan jag säga att det här med att utveckla den konstnärliga kvalitén på själva motiven, det är utan tvekan det allra viktigaste om man vill ta stora utvecklingssteg i sin konst.
Som akvarellmålare har man ofta ganska stora kunskaper inom tekniken, men man brukar inte ha kommit lika långt med att utveckla de konstnärliga kvalitéerna i hur man jobbar med sina motiv.
Det är ju absolut inte så att man måste välja, att man antigen är duktig på tekniken eller på kvalitén på sitt tema och sina motiv. Allt handlar istället om att man ska matcha sina tekniska kunskaper med motsvarande nivå på den konstnärliga kvalitén på sina motiv. Det är just i den kombinationen som ditt konstnärskap kan lyfta och bli både kreativ och inspirerande, och samtidigt höjer dom konstnärliga kvalitéerna och originaliteten din konst.
Och det är ju också det som skapar bättre förutsättningar för dig som konstnär att kunna få mer framgång med din konst, när du ställer ut och säljer din konst. Konstköpare vill ju helst inte bara köpa ett tekniskt hantverk och ett motiv, utan man vill ju köpa ett konstverk av en konstnär som har utvecklat en egen stil där också konstnären blir ”synlig” i sina konstverk.
Vad är det just du tilltalas av i akvarellmåleriet?
Det finns också en annan sak som man som akvarellmålare gärna kan ägna lite tid åt, och det handlar om att man blir mera medveten om vad det är inom akvarellmåleriet man tilltalas av. Vad är det för ”egenskaper” och ”karaktär” i akvarellen man gillar? Varje teknik och material har ju sina specifika egenskaper, och där är ju akvarelltekniken extra speciell eftersom akvarellen har så många egenskaper som skiljer sig från andra tekniker.
Det här blir viktigt då man helst ska arbeta ”med” tekniken, snarare än ”mot” teknikens egenskaper. Om man ex. målar akvarell som om det vore oljefärg eller akryl, så kan man fråga sig varför man då ändå väljer akvarell och inte olja och akryl?
Tar man inte den här hänsynen så gör man det onödigt svårt för sig rent tekniskt i sitt arbete, och det brukar då ta all energi och fokus från allt det andra man behöver tänka på: ex. hur man vill jobba med själva temat och motiven. Och det är också viktigt att det känns inspirerande och lustfyllt att måla, och inte bara kännas som en uppförsbacke med svårigheter, där man nästan alltid misslyckas.
Om man blir mer medveten om vad det är i akvarellen som man gillar, så kan också det få styra vilken typ att motiv man väljer att jobba med, och framför allt också hur man jobbar med motiven rent stilmässigt. För ett och samma motiv kan man ju jobba med på massor av olika sätt!
Exempelvis, om du är väldigt intresserad av akvarellens egenskaper och karaktär som ”material”, så kanske det mest konsekventa vore att måla abstrakt med akvarell. Där du mer kompromisslöst kan experimentera med storlekar och format och effekter i själva färgen och materialet. För, så fort du väljer ett föreställande motiv, så handlar ju ditt måleri inte bara om akvarelltekniken och färgen, utan också om själva motivet du valt att måla.
Och vill man inte måla helt abstrakt, så kan man istället välja att måla mer föreställande motiv, men där man abstraherar motiven och öppnar upp för abstrakta inslag där ens intresse för färger och effekter blir synliga.
Fastna inte i tekniken
Eftersom akvarelltekniken kräver en hel del övning på just tekniken, så är det vanligt att man sedan fastnar i att främst fokusera på tekniken, och glömmer bort att jobba konstnärligt även med sina motiv. Ofta väljer man sina motiv av gammal vana, och motiv som har spännande effekter och olika tekniska utmaningar. Det är ju förstås så man gör när man lär sig måla akvarell, och fina effekter tillför ju också kvalitéer till målningen. Men kvalitéerna kan inte bara ligga i tekniken.
För att du ska kunna utveckla den konstnärliga kvalitén i dina motiv, behöver du bli mer medveten om vilken typ av motiv du väljer att jobba med, och hur du sen väljer att jobba med motiven och lite grann också varför. För att du ska kunna utveckla den konstnärliga kvalitén på ditt akvarellmåleri så räcker det alltså inte med att bara välja ett motiv som har en viss teknisk effekt som du gillar.
Jag tror att det är många som tänker att det här med att också jobba med att utveckla den konstnärliga kvalitén på sitt tema och motiven man jobbar med, är något som man gör när man har kommit mycket längre i sin utveckling och är mer professionell, och att man själv fortfarande bara håller på att lära sig.
Men så är det faktiskt inte! Var man än befinner sig i sin utveckling, oavsett om man är nybörjare eller professionell, så är det viktigt att man alltid matchar sina tekniska kunskaper, med den konstnärliga kvalitén på sina motiv. Och det är absolut inget man behöver vänta med. Tvärtom är det faktiskt ganska vanligt att konstnärer väntar för länge med det här, och istället fokuserar för mycket på tekniken. Men det brukar väldigt ofta vara orsaken till att man efter en tid, förlorar motivationen och inspirationen i sitt arbete. Där man gillar tanken på att måla, men när man väl gör det, så kan det låsa sig, och att ens måleri handlar för mycket om att man inte ska misslyckas tekniskt.
Så att jobba med den konstnärliga kvalitén på sitt tema och sina motiv, handlar faktiskt om att utveckla sin egen relation och sin medvetenhet till sin konst, vilket också påverkar om man trivs och känner sig inspirerad i sitt arbete. Och som sagt, det är också det här arbetet som genererar konstnärliga kvalitéer och ens förutsättningar att kunna utveckla en ”egen stil”. Så varför ska man vänta med det?
Ha inte för bråttom när du väljer motiv
Tänk på att inte ha för bråttom när du väljer dina motiv, och att inte genast börja måla. Det är vanligt att man gör det eftersom man tänker att den konstnärliga kvalitén bara uppstår i tekniken när du målar. Men ett ganska tråkigt motiv brukar nästan alltid också bli en ganska tråkig målning! Det är väldigt sällan som det plötsligt uppstår massor av intressanta kvalitéer i ett motiv, bara för att man målar det.
Du behöver istället uppehålla dig lite längre i fasen när du väljer motiv och sättet du arbetar med motiven på. Där du reflekterar över hur dina ”tänkbara alternativ” ser ut, och att du lägger ner mer tid på att arbeta fram dina förlagor och skisser, exempelvis om man använder sig av fotografier.
Allt det här arbetet är ju faktiskt en lika kreativ och viktig del i det konstnärliga arbetet som själva måleriet.
Det här gör inte bara att den konstnärliga kvalitén blir högre på dina målningar, det är också i det här arbetet som du som konstnär får en mer komplex och djupare relation till din konst. Du blir mer medveten om varför du väljer att jobba som du gör, och du blir mer exakt med hur just du väljer att jobba med dina motiv.
För alla motiv finns ju redan, och vi konstnärer utgår ju mer eller mindre alltid från samma typ av motiv. Så för att kunna utveckla en egen konstnärlig stil, behöver du utveckla ett mer ”specifikt” sätt för hur just du jobbar med dina motiv. Gör man inte det, och har för bråttom i den här fasen och genast börjar måla, så brukar konsekvensen bli att kvalitén på tekniken i själva måleriet, blir ganska hög, men sättet man jobbar med sina motiv på, blir alltför för generell och lite anonym.
Det är därför ganska vanligt att man själv som konstnär börjar tycka att ens målningar känns lite tråkiga, och man brukar känna att det är något som ”fattas i sin konst”. Och då hjälper det inte ens om tekniken är väldigt bra.
När jag handleder konstnärer är det många som beskriver den här bristen i sin konst, och där man också börjar känna att något saknas, även i mötet med publiken. Där folk ofta bara blir imponerade över tekniken, men inte själva konstverket. I början av sitt konstnärskap så brukar det räcka med att man får bekräftelse på att ens målningar är tekniskt bra, men lite längre fram börjar det kännas lite otillfredsställande, att bara få frågor om hur man målat en viss effekt.
Det jag försöker beskriva här, är att det ofta uppstår ett glapp mellan tekniken och den konstnärliga kvalitén, och att det inte är bara tekniken som skapar dem här kvalitéerna.
När jag handleder konstnärer, så ser jag allt det här som ett helt naturligt utvecklingssteg: att man efter en fas då man lärt sig tekniken, så börjar det växa fram en känsla av att man vill få en ”djupare” och mera ”medveten” relation till sin konst, och där konstverken inte bara är tekniskt bra, utan att dem även har kvalitéer som gör att de blir till bra konstverk.
Och det är ju precis det som de allra flesta konstnärer ser som målet med sin konst. Att ens målningar inte ska stanna vid att bara vara en teknik som avbildar olika motiv, och därför kan börja kännas lite anonyma och tomma. Man vill ju att ens målningar ska lyfta och få kvalitéer som gör att dem istället blir till konstverk och där man också har en egen stil. Och man vill förstås känna att man trivs och känner sig motiverad i sitt arbete, och där man känner att man kan identifiera sig med sin konst.
Efter att ha handlett väldigt många konstnärer och då i synnerhet akvarellmålare, så kan jag säga att det här med att utveckla den konstnärliga kvalitén på själva motiven, det är utan tvekan det allra viktigaste om man vill ta stora utvecklingssteg i sin konst.
Som akvarellmålare har man ofta ganska stora kunskaper inom tekniken, men man brukar inte ha kommit lika långt med att utveckla de konstnärliga kvalitéerna i hur man jobbar med sina motiv.
Det är ju absolut inte så att man måste välja, att man antigen är duktig på tekniken eller på kvalitén på sitt tema och sina motiv. Allt handlar istället om att man ska matcha sina tekniska kunskaper med motsvarande nivå på den konstnärliga kvalitén på sina motiv. Det är just i den kombinationen som ditt konstnärskap kan lyfta och bli både kreativ och inspirerande, och samtidigt höjer dom konstnärliga kvalitéerna och originaliteten din konst.
Och det är ju också det som skapar bättre förutsättningar för dig som konstnär att kunna få mer framgång med din konst, när du ställer ut och säljer din konst. Konstköpare vill ju helst inte bara köpa ett tekniskt hantverk och ett motiv, utan man vill ju köpa ett konstverk av en konstnär som har utvecklat en egen stil där också konstnären blir ”synlig” i sina konstverk.
Vad är det just du tilltalas av i akvarellmåleriet?
Det finns också en annan sak som man som akvarellmålare gärna kan ägna lite tid åt, och det handlar om att man blir mera medveten om vad det är inom akvarellmåleriet man tilltalas av. Vad är det för ”egenskaper” och ”karaktär” i akvarellen man gillar? Varje teknik och material har ju sina specifika egenskaper, och där är ju akvarelltekniken extra speciell eftersom akvarellen har så många egenskaper som skiljer sig från andra tekniker.
Det här blir viktigt då man helst ska arbeta ”med” tekniken, snarare än ”mot” teknikens egenskaper. Om man ex. målar akvarell som om det vore oljefärg eller akryl, så kan man fråga sig varför man då ändå väljer akvarell och inte olja och akryl?
Tar man inte den här hänsynen så gör man det onödigt svårt för sig rent tekniskt i sitt arbete, och det brukar då ta all energi och fokus från allt det andra man behöver tänka på: ex. hur man vill jobba med själva temat och motiven. Och det är också viktigt att det känns inspirerande och lustfyllt att måla, och inte bara kännas som en uppförsbacke med svårigheter, där man nästan alltid misslyckas.
Om man blir mer medveten om vad det är i akvarellen som man gillar, så kan också det få styra vilken typ att motiv man väljer att jobba med, och framför allt också hur man jobbar med motiven rent stilmässigt. För ett och samma motiv kan man ju jobba med på massor av olika sätt!
Exempelvis, om du är väldigt intresserad av akvarellens egenskaper och karaktär som ”material”, så kanske det mest konsekventa vore att måla abstrakt med akvarell. Där du mer kompromisslöst kan experimentera med storlekar och format och effekter i själva färgen och materialet. För, så fort du väljer ett föreställande motiv, så handlar ju ditt måleri inte bara om akvarelltekniken och färgen, utan också om själva motivet du valt att måla.
Och vill man inte måla helt abstrakt, så kan man istället välja att måla mer föreställande motiv, men där man abstraherar motiven och öppnar upp för abstrakta inslag där ens intresse för färger och effekter blir synliga.
Lär dig mer om hur du utvecklar ditt akvarellmåleri på våra målarkurser
Läs mer om våra målarkurs Basprogrammet - Utveckla ett
eget konstnärligt tema och en egen stil. Här får du specifika kunskaper som gör att
du kan utveckla ett eget konstnärligt tema och en egen stil, och vad som
definierar konstnärliga kvalitéer och originalitet inom konsten. Du får även
konkreta arbetsmetoder som gör att du kan utveckla den konstnärliga kvalitén
och originaliteten i dina egna arbeten. Och du lär dig arbetsmetoder som
gör att du kan utveckla kvalitén på din arbetsprocess, så att den blir mer
konstruktiv och kreativ och effektiv. Där allt syftar till att du ska trivas i
ditt arbete, samtidigt som den konstnärliga kvalitén på din konst utvecklas.
I Fortsättningskursen – Problemlösning i ditt konstnärliga arbete lär du dig att hantera de vanligaste problemen man brukar hamna i som konstnär, där man kör fast i sitt arbete, eller känner sig spretig i sin konst.
Alla våra kurser är mycket pedagogiska och omfattande i sitt innehåll, och du får kunskaper som gör att du steg för steg kan bygga vidare på de kunskaper du redan har. Du får nya kunskaper som gör att du själv kan styra arbetet med att utveckla ditt konstnärskap.
Varje kursmoment avslutas med övningar, och det är dem som gör att kursen blir individuell och helt anpassad efter just dig. Du har access till kursen under ett helt år, vilket gör att du i lugn och ro kan ta del av allt kursmaterial och alla övningar i din egen arbetstakt, och du kan hela tiden gå tillbaka och repetera och vidareutveckla tidigare moment.
I Fortsättningskursen – Problemlösning i ditt konstnärliga arbete lär du dig att hantera de vanligaste problemen man brukar hamna i som konstnär, där man kör fast i sitt arbete, eller känner sig spretig i sin konst.
Alla våra kurser är mycket pedagogiska och omfattande i sitt innehåll, och du får kunskaper som gör att du steg för steg kan bygga vidare på de kunskaper du redan har. Du får nya kunskaper som gör att du själv kan styra arbetet med att utveckla ditt konstnärskap.
Varje kursmoment avslutas med övningar, och det är dem som gör att kursen blir individuell och helt anpassad efter just dig. Du har access till kursen under ett helt år, vilket gör att du i lugn och ro kan ta del av allt kursmaterial och alla övningar i din egen arbetstakt, och du kan hela tiden gå tillbaka och repetera och vidareutveckla tidigare moment.
